まよなかえほん

住民が、みずからの手で共通に直面する問題を解決していく内発的な秩序の形成力を、ここでは「自律的秩序形成の『元気』」とよぶことにしましょう。

この「元気」がとくに地域で注目される必要があるのは、主としていわゆる都市化の進展によって「広い世間」が拡大したからだと考えられます。

それはまたわれわれの「他人観」と結びついています。

わたしたちが持続的にもっている人間関係は幾とおりかありますが、まず核になっていると思われるのは「血」縁で結ばれている身内関係とくに親子関係です。

親子関係の特色は心(情)通い、しかも遠慮がいらない点にあるといえます。

親子関係が薄らぐことを「水くさい」「他人行儀な」というし、円満な親子関係では「水入らず」で「何でも遠慮なくいえる」のです。

この親子(身内)関係のすぐ外に、これを中心にしていわば同心円風に他人との関係がひろがっています。

まず「狭い世間」があります。

「自治」にはふたとおりの読み方があります。

これは前田多門氏も指摘されていることですが、一つは「おのずから治まる」であり、もう一つは「みずから治める」です。

後者の「みずから治める」ことがなぜ必要であるかといえば、地域社会には多様な利害や意見があり、それゆえ時には対立や争いが起こることは病理ではなく生理であるから、いろいろな工夫をして、そうした対立や争いを調整し解決していかなければならないからです。

この「みずから治める」という意味での自治の担い手は、どのような住民イメージでしょうか。

それは・・・

1．自己の個性的な利害や意見を明確に主張できる独立性を保ちながらも、

2．利害や意見の相互主張にともなう対立や争いを調整するためには相手方への理解と一定の譲歩とによって折り合いをつけることが結局、自分の利害にかなうと判断しうる知性をそなえていること

・・・この2つの条件を装備しているという意味で自己規律の能力をもつ「政治主体」としての住民です。

ここで「政治主体」という場合の「政治」は、自主独立の人びとが相互の自由な合意によって秩序(共存関係)を創り出す行為を指しています。

平準化のための集権システムは広く人びとに対して、放置できず是正されるべき新しい格差が存在することを説得的に明らかにできないかぎり存続の理由は乏しくなります。

しかも、自然及び歴史環境の保全・都市化の鎮静と都市型生活様式の普及・美しい潤いのある生活卸環境の創造、物的豊かさを当然として育った世代の台頭、加速化する人口の高齢化などによって新たな内政課題が続出しています。

・・・これらは、各地域なり各自治体なりの特殊な条件、個性や独自性を確立しようとする自治体の意思を注視し尊重することなしには有効に対処できない課題群です。

画一性から多様性、集権から分権への要請は歴然としています。

こうした時代変化のなかで、「均てん努力」の元気は相変わらず根強いともいえますが、反省の時期を迎えていることも明白です。

・・・それは同時に、つねに住民の「均てん」願望を刺激し、それに応えることに社会の統合と発展の様式を見出しできたこれまでの政治や行政のあり方が問われていることを意味しています。

アラベスクは文字通りイスラム起源の連続した線の模様で形成され、グロテスクはまさにグロテスクな図像の集大成である。
これがどうしてジユエリー・デザインなのかと聞かれそうだが、ジュエリーに限らずあらゆる工房の親方はこの画集から自分の好きな部分だけを模写して品物を作った。

つまり彼は高価なこの版画集を隠し持って、その一部を自分のデザインとして小出しにして金を稼いだのである。
やがてデザイン画は今のものと同じく、ペンダントとか指輪とか、実際の物の形をとってゆくようになるが、ルネサンス初期に生まれたデザイン画は、何とも不思議なものであった。

19世紀の末頃になって、これを使ったと称するジュエリーが作られ、ホルバイネスクの名前で売られた。
これなど「何々先生デザインのジュエリー」の走りだが、ホルバインの絵とは全く似ていない。

2人の後を追うようにして多くのデザイン画を残した人々が出るが、初期のデザイン画の面白さは、デザインがジュエリーの形をしていないことだ。
アラベスクあるいはグロテスクと題されたもので、その多くは全く自由な発想のさまざまな形を連ねた版画である。

ジュエリーには見えないデザイン画

この銅版画という新しい技術に魅せられたのか、高名な画家2人が余技としてジュエリーのデザイン画を残している。
アルブレヒト・デューラーとハンス・ホルバインである。

特にホルバインはヘンリー8世の宮廷に仕えながら、179枚のデザイン画を残し、今は大英博物館の所蔵となっている。石塚孝一氏によると、ただし不思議なことに、どちらのデザインも実際に作られた気配はなく、現物のジュエリーは存在しない。

金銀細工師によって彫られた銅版画

ジュエリー史の上で、次のマニエリスムの時代にかけて起きだ大切なことは、デザイン画の登場である。
このデザイン画の歴史は、実は版画の歴史でもある。
西欧での版画は1400年前後の木版画から始まり、1420～30年頃に銅版画が登場する。
銅版は金属の板に傷を付け、そこに入れたインクを紙に転写する。
この金属の表面に入れる彫りは金銀細工師の技術と同じもので、初期の銅版画は彼らが彫ったとも推定される。

このふたつの職業はそれぞれ独立してゆくが、15世紀末あるいは16世紀の初めの頃は同じ職業だったのだろう。
したがって初期の銅版彫刻師がジュエリーのデザインに使えるような画題を彫ったのは、決して不思議ではない。

ダイヤモンドや色石も使われているが、目に付くのは重厚な厚い不透明の七宝である。
全体にぼってりとした印象のペンダントは吊り方が独特で、本体から鎖で釣り上げたものをもう一度上方で輪にまとめ上げそこにチェーンを通す、いわば二重吊りである。

重たくて厚味のあるカラフルなジュエリー、それがルネサンスのペンダントであり、この時代を代表するジュエリーであった。

個人の芸術家が一人で作業するのではなく、大工房とも呼ぶべき集団があり、親方を中心にあらゆる技術を持った職人の集まりのなかで物を作り技術を習得し合っていった。
芸術家ではなく職人の時代、それがルネサンスである。
こうした大工房で作られたジュエリーで最も目に付くのがペンダントだ。

念のためだがこの時代のジュエリーはほとんどが男性用、したがってやたらと大きく厚く重たい。
デザインはほとんどが神話や伝説、キリストの生涯といったテーマから取られた人物像や怪獣、動物の組み合わせで、きわめて複雑で裏表ともに細工が施されている。

裏側にも施された細工とカラフルな七宝

この時代、今日のジュエリー・デザイナーの走りとも言うべき人物が登場する。
ベンヴェヌート・チェリー二がその人で、さまざまな金銀細工に作者としての自分の名前を残したのは、彼をもって噛矢とする。

天才的な金細工師でありながら、トラブルを起こしては牢屋への出入りを繰り返した彼は、メダルの原形を彫ったり彫刻を作ったりしているが、本質的には金細工師の修行を積んだ人物で、代表作はサリエラと呼ばれるフランソワー世のために作ったテープル用の塩胡椒入れである。

見事の一語に尽きる女神ケレスと海神ネプチューンを描いた金の像はウイーン美術史美術館の呼び物であったが、盗難にあっている。彼の自伝を読むと、ルネサンスの工房の実態がよくわかる。